在 2025 年底至 2026 年初這段時光裡，臺灣及亞洲藝文生活舞台持續活絡，從大型當代藝術展，藝術週與藝博會的互動盛況，到香港與臺南雙城共振的埃及古文明展，串聯城市與歷史對話；同時生活美學與國際設計品牌亦在日常中注入美感與品味生活體驗，建構出一個藝術、文化與雅致生活遊旅的豐富景致

當年末的光陰轉進冬季，世界各地的藝術展覽與設計活動並未因季節而消逝，而是在城市的每一個角落逐漸點亮新的視野。在文化場域裡，我們見證從古文明的久遠回響到當代藝術的多元實驗，從紡織與設計產業的未來創新到都市美學的生活實踐，每一場展演都是對時間與感知的一次重新敘事。都市的藝術節節奏也在年末持續回響，台北藝術週在 10 月中旬串聯畫廊與公共藝術，將展覽延伸至街道與日常生活之中，使整座城市成為藝術的場域。而與之呼應的還包含亞洲當代藝術博覽會等大型藝博活動，以跨界策展及豐富畫廊資源，將本地與國際收藏、創作生態互相連結。這些活動不僅反映了藝術在時代中的呼吸，也象徵著文化創意在城市生活中的持續生成。就讓我們跟著「LaVitaChic 雅致生活」的腳步，一起看看美好風格的生活況味！

台北101-城市心脈動-何理互動-扉花：生命。圖片提供／台北 101

兩件傑作的世紀藝術對語

重新凝視現代男性的誕生

Espace Louis Vuitton New York 紐約路易威登藝術廊攜手巴黎奧賽美術館與洛杉磯蓋蒂博物館，呈獻法國畫家古斯塔夫．卡耶博特（Gustave Caillebotte） 特展《窗邊的年輕男子／划船派對》。展覽以兩件分別來自兩大重量級館藏的代表作並置為核心，構築出一場罕見而精準的藝術對話，引領觀眾回到十九世紀現代性甦醒的關鍵時刻。透過室內凝視與戶外運動這兩種截然不同的場景，卡耶博特以大膽構圖與貼近視角，拉近觀者與畫中人物的距離，讓觀看成為一種身臨其境的經驗，也彰顯他在印象派中獨樹一幟的現代繪畫語言。

古斯塔夫．卡耶博特（Gustave Caillebotte 兩幅作品遙相對望（左）《划船派對》（Partie de bateau，大約1877-1878）與（右）《窗邊的年輕男子》（Jeune homme à sa fenêtre，1876）。圖片提供／Louis Vuitton

本次展覽亦回應卡耶博特藝術中長期被低估的重要面向 —— 他對現代男性形象的深刻描繪。無論是站在窗前沉思的年輕男子，或在河面上划船、迎風而行的身影，作品皆游移於親密內在與公共生活之間，映照出十九世紀末都市、休閒與階級結構的轉變。卡耶博特以敏銳觀察與個人經驗，捕捉時代精神的流動，並以前衛的視覺策略預示了現代藝術的發展方向。此展不僅為其創作提供嶄新詮釋，也再次確認卡耶博特在法國現代藝術史中，作為藝術家、贊助者與關鍵推動者的核心地位。

《窗邊的年輕男子／划船派對》古斯塔夫．卡耶博特展覽現場 Gustave Caillebotte - Boat Party.Young Man at his Window - In situ。圖片提供／Louis Vuitton

圖文提供／Louis Vuitton

台北101-城市心脈動-羅懿君-醣分子燃燒進行式。圖片提供／台北 101

展覽橫跨台北 101 一樓大廳與 Gallery 101，讓觀眾在光影與色彩的流動中，感受藝術與城市心跳同步的節奏。各件作品以不同角度回應「城市」的生成與共生關係：有的凝視時間與影像的流轉，有的捕捉群體與身體的律動，也有作品透過科技模擬自然生命的呼吸，形塑未來感十足的沉浸體驗。《城市心脈動》同時呼應台北101跨年主題「SPARK 101」中的「SPARK the ART」，象徵藝術為城市注入靈感與能量。當創作進入高樓與日常空間，藝術成為連結人、建築與想像的橋樑，也為城市的未來節奏留下溫度與餘韻。

台北101-城市心脈動-耿傑生-合群系列。圖片提供／台北 101

台北 101 - Gallery 101《城市心脈動》展覽主視覺。圖片提供／台北 101

圖文提供／台北 101

科技與感知中重組「我們」

當觀看成為一場藝術表演

基隆美術館 2025 年度國際大展《WE ARE ME—我（們）到此一遊》，直指社群媒體與演算法主導下的當代觀看狀態。由藝術家余政達所創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」首度擔任策展人，邀集來自英國、法國、日本、泰國與台灣的十位藝術家，透過 28 組作品回應「觀看如何成為表演、身分如何在群體凝視中被生成」的核心提問。在影像洪流與資訊過載的時代，展覽不再將觀眾視為旁觀者，而是與作品共同構成意義的行動者；「我」與「我們」在不斷被拍攝、分享與轉譯的過程中，交疊成曖昧而流動的狀態。

英國藝術家瑞安甘德（Ryan Gander）〈同理心是一種超能力嗎？〉。圖片提供／Louis Vuitton；攝影／KRIS  KANG

展覽作品橫跨幽默提問、政治隱喻、AI生成、光影裝置與群體共創，從孩童視角、科技鏡像到身體感知，層層拆解數位時代的身份想像。無論是質疑同理心的概念提問、揭露演算法生成的個資幻象，或透過光影與足跡留下短暫卻真實的存在痕跡，作品皆指向同一命題：我們如何在被觀看、被記錄的世界中，重新感知自身的位置。《WE ARE ME—我（們）到此一遊》最終並非給出答案，而是邀請每位進入展場的人，在行走、凝視與互動之中，成為這場集體敘事的一部分。

由永真急制工作室操刀設計的展覽主視覺。圖片提供／基隆美術館

圖文提供／基隆美術館

開啟高端香氛新里程

全球首間設計旗艦店

擁有逾 265 年歷史的英國皇室御用香氛品牌 CREED，於台北大安路揭幕全球首間全新設計尊榮旗艦店，象徵品牌零售體驗的重要里程碑，也彰顯台灣市場於國際高端香氛版圖中的關鍵地位。旗艦店以歐洲皇室宅邸為靈感，融合義大利頂級大理石、黃銅、胡桃木與18世紀法國鍍金玻璃工藝，將製香匠藝、裁縫起源與當代設計語彙融為一體，構築兼具歷史深度與現代奢雅的嗅覺殿堂。

CREED 大安旗艦店空間選用珍稀石材、拉絲黃銅與胡桃木，展現沉穩優雅與奢華氣度。圖片提供／CREED

開幕當日，品牌之友周湯豪現身分享以香氣表達自我風格的生活哲學，呼應 CREED「自由、獨立、無拘」的精神內核。旗艦店同步展出全台獨家「永續傳承香氛瓶」，並提供一對一香氛諮詢與限定珍藏禮贈，讓香氛不僅止於嗅覺享受，更成為個人風格與生活美學的延伸。CREED 透過空間、工藝與香氣的層層鋪陳，重新定義高端香氛於當代城市中的文化高度。

CREED 大安旗艦店牆面典藏多份皇家歷史檔案，包括維多利亞女王之宮廷女官長授予 Henry Creed 的皇家御用禮袍訂製證書，以及威爾斯親王（後為愛德華七世）所頒授的皇家委任狀。圖片提供／CREED

CREED 大安旗艦店尊榮啟幕。圖片提供／CREED

圖文提供／CREED

看見百年身影的陰性書寫

從筆墨到身體的當代展開

橫山書法藝術館推出《自由自在：臺灣當代女性書藝展》，為臺灣首度以百年脈絡系統性梳理女性書藝發展的重要研究型展覽。策展人盧慧紋以性別視角切入，回望女性書藝家長期被忽略的歷史位置，從日治時期、戰後遷臺到當代創作，集結 59 位藝術家、62 組作品，呈現女性如何在家學、師承、社群與時代限制中，持續以書寫建立自身位置。展覽不僅回顧傳承，更揭示書法如何成為女性回應生命經驗、社會角色與文化結構的重要語言，為臺灣書法史開啟嶄新的敘述向度。

《自由自在：臺灣當代女性書藝展》橫山書法藝術館展覽現場。攝影／ANPIS FOTO王世邦；圖片提供／橫山書法藝術館

展覽進一步透過多元創作實踐，打開書藝與當代藝術的對話空間。作品從傳統筆墨延伸至攝影、錄像、裝置與跨域合作，書寫不再只是紙上行為，而成為與身體、空間與社會議題緊密相連的感知行動。女性藝術家以筆勢回應日常、政治與性別經驗，也透過跨文化參照，展現書藝在不同語境中的轉化可能。《自由自在：臺灣當代女性書藝展》不提供單一答案，而是在層層筆墨與姿態之間，邀請觀者重新思考：當書寫回到身體與生命本身，自由，便成為正在發生的狀態。

「自由自在：臺灣當代女性書藝展」主視覺。圖片提供／橫山書法藝術館

圖文提供／橫山書法藝術館

京都秋日的藝術協作

民藝百年的當代回聲

隨著秋意展開，京都迎來一年一度的藝術高峰。第五屆「京都 ACK 藝術博覽會」Art Collaboration Kyoto（ACK） 將於日本戰後現代建築代表的前川國男（Kunio Maekawa） 設計的「ICC Kyoto 京都國際會館」登場，延續其以「合作精神」為核心的策展理念，串聯日本與國際畫廊，共同打造跨文化、跨世代的藝術交流平台。博覽會以畫廊協作展位與公共策展計畫為特色，回應京都長久以來包容多元、融合傳統與創新的城市氣質。透過主題策展、城市展演與教育推廣，ACK 不僅是一場藝術博覽會，更是一個讓藝術在城市中流動、發酵的行動場域，體現當代藝術如何以合作回應未來的想像。

第五屆「京都 ACK 藝術博覽會」Art Collaboration Kyoto（ACK）海報（左）及 ICC Kyoto 京都國際會館現代主義與粗獷主義（Brutalism）建築中的展覽現場。圖片提供／Art Collaboration Kyoto

與博覽會同期，京都市京瓷美術館推出特展《民藝百年——京都編織的日常之美》，回顧「民藝」概念誕生一百年來，京都在其中扮演的關鍵角色。展覽從柳宗悅等人在京都的思想實踐出發，梳理民藝如何從日常器物中孕育出「無名性、簡潔性與單純之美」的價值觀，並深刻影響現代生活方式。透過工藝作品、歷史文獻與在地人物脈絡的交織，展覽讓民藝不再只是歷史回顧，而是重新連結當代生活與感知的文化線索，在京都這座城市中持續編織日常之美。

圖文提供／Art Collaboration Kyoto、京都市京セラ美術館

從童話出發的節慶想像

冷杉香氣貫穿的冬日儀式

Diptyque 2025 聖誕限量系列以原創童話《燭金夜語》為靈感，邀集插畫家 Vincent Puente、作家 Victor Pouchet 與藝術家 Inès Mélia 共同創作，將聖日耳曼德佩區化為一座介於現實與幻想之間的詩意舞台。貓、書店、蠟燭與森林等經典意象在金色筆觸中交織，轉化為包裝、禮盒與裝飾設計，讓每一件作品都如同童話章節般，承載節慶的想像力與藝術氣息。

旋轉燭罩是 Diptyque節慶時刻不可或缺的經典之一。閃閃發亮的吊飾延續品牌標誌性的橢圓圖騰，隨著燭光微風輕轉。圖片提供／10/10 APOTHECARY 

系列核心聚焦於象徵節慶的冷杉（Sapin）香氛，以西伯利亞松、香脂冷杉與雪松木質調勾勒溫潤而熟悉的冬日氣息，並延伸至經典香氛蠟燭、倒數香氛餐燭、室內擴香與節慶精品。結合手工金箔、穆拉諾玻璃與陶瓷工藝，Diptyque 將香氣、光影與設計融為一體，為歲末時光打造兼具收藏價值與儀式感的節慶體驗。

Diptyque 節慶限量系列主視覺。圖片提供／10/10 APOTHECARY 

圖文提供／10/10 APOTHECARY 

影音｜高美館《馮．沃爾夫的花園堡壘》展覽介紹影片；封面圖｜馮．沃爾夫以台灣為靈感，特別創作的展覽同名作品〈花園堡壘〉首度展出。Photo by Studio Millspace；圖片提供／高雄市立美術館

展覽核心關注藝術與科技的共存關係，沃爾夫近年更將 AI 與數位生成技術納入創作流程，與手繪、油彩並置，形成跨時代的視覺辯證。文藝復興的人文精神、巴洛克的戲劇張力，與當代科技語境在畫面中層層疊合，使作品不再只是對歷史的回望，而是對未來文明的提問。於高美館的展出，也讓台灣所處的科技島嶼位置成為隱性背景，使觀者在觀看藝術的同時，重新思考人類如何在高速發展的世界中，為文明保留一座既是花園、也是堡壘的精神空間。

高美館《馮．沃爾夫的花園堡壘》展覽主視覺。圖片提供／高雄市立美術館

圖文提供／高雄市立美術館

靈魂頻率與時間的譜寫

情感作為存在的座標

Hiro Hiro Art Space 與藝術家 Jing You 首度合作推出個展《命運花園 Syzygy》，以天文學中象徵極致對齊的「朔望」為隱喻，描繪人、時間與情感在命運軸線上的相遇瞬間。展覽以花的意象作為人際關係的微觀映照，羅盤草的心形種子、五線譜般的時間橫線與濃烈而敏感的色彩，共同構築出一座情感與秩序交織的花園。藝術家將愛、記憶與相遇視為一種可被感知的頻率，使畫面成為靈魂共振的視覺化呈現，引領觀者在靜觀中感受命定相逢的重量。

展覽核心系列《命運花園（Syzygy）Op.1–73》以古典音樂的作品號為結構，將每一段關係視為時間譜面上的獨立樂章，回應博爾赫斯《小徑分岔的花園》中關於選擇與無限可能的寓言。不同花園在色彩、節奏與構圖上的差異，如同情感在生命歷程中的起伏變奏；而「愛別離」的主題，則將別離視為存在的常態與覺醒的契機。Jing You 透過這套可閱讀的符號系統，將宇宙的宏觀秩序轉化為貼近內心的情感地景，使《命運花園》成為一座關於愛、時間與自我凝視的精神座標。

藝術家 JING YOU《命運花園 SYZYGY》展覽現場。圖片提供／Hiro Hiro Art Space、藝術家

圖文提供／Hiro Hiro Art Space

百年聲學當代宣言

聲音成為雕塑

丹麥奢華視聽品牌 Bang & Olufsen 迎來創立一百週年，以「科技與藝術交會」為核心信念，回顧從 1925 年斯特魯爾農舍出發、走向全球的創新歷程。品牌始終將聲音視為一種文化與生活方式的延伸，透過經典產品與跨世代設計，形塑人們理解音樂、空間與工藝的方式。百年慶典不只是對歷史的致敬，更宣示品牌邁向下一個世紀的方向——讓設計、聲學與永續價值在時間中持續被珍惜與傳承。

Beosound A5 世紀編織，售價 NTD 53,000。圖片提供／BANG & OLUFSEN

Beolab 90 Titan Edition，售價 HKD 3,150,980（約 NTD 12,745,024 ）。圖片提供／BANG & OLUFSEN

作為百年里程碑的重要象徵，全新 Beolab 90 Titan Edition 將 Bang & Olufsen 對極致聲學與高級訂製藝術的追求推向新高峰。此限量版本由 Atelier 團隊手工打造，以大規模鋁材結構、細膩噴砂質地與建築般的量體設計，將揚聲器轉化為兼具科技與雕塑美感的存在。它不僅延續 Beolab 90 重新定義空間聆聽體驗的聲學核心，也體現品牌「為被喜愛、被修復、被傳承而生」的理念，象徵 Bang & Olufsen 在下個世紀持續書寫絕美音韻的起點。

丹麥奢華視聽品牌 Bang & Olufsen 歡慶一百週年。圖片提供／BANG & OLUFSEN

圖文提供／BANG & OLUFSEN

從觀看到生成的感知旅程

光影、感官與城市日常

勤美術館 2025 冬季展《Input > Unknown》以電腦語法中等待指令的「Input >」為靈感，邀請觀眾將 身體與感官作為輸入，在光影、聲音、空氣與數據交織的場域中親自介入未知的生成。展覽由台灣跨域新媒體團隊 何理互動 WHYIXD 策展與創作，並攜手德國聲音藝術團隊 KLING KLANG KLONG、視覺設計團隊 HOUTH、藝術家莊志維等，共同打造一系列沉浸式互動裝置。觀眾透過偏光鏡等介面，不再是被動觀賞者，而是在動作、視線與呼吸中重新解碼光影與空間，使觀看成為一種主動的感知運算。展覽喚醒對日常中隱藏訊息與資訊流的敏感度，同時探問在數位時代中「真實」與「未知」的邊界。

觀眾步入作品《海境：回溯 Tender Soul of Ocean_ recall》（圖左）如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。圖片提供／勤美術館；攝影／ 楊承（圖右）勤美綠園道七米高的白雪聖誕樹在冬夜裡緩緩降下迷人的雪花。攝影／ 編輯部

然而，《Input > Unknown》不僅是感官體驗的實驗場，也是重新觀看世界的聲明。展場中的光場矩陣與互動作品讓每個人的身影、動作、甚至呼吸，都成為光與影的變數，使作品與觀者共同生成獨一無二的瞬間。在這個過程中，觀者意識到世界不只一種面貌，而是由參與者不斷解讀與重構的動態場域。展覽亦延伸至展場之外的城市空間，像是勤美草悟道冬季光之道和聖誕市集與許多節慶活動，將感知體驗與日常生活串聯，把未知的感覺帶入城市的光影與節慶氛圍之中。這場展覽提醒我們：觀看不是固定的視角，而是由身體與感官一起生成的旅程。

戶外展覽主視覺《Input _ Unknown》 邀請觀者一同穿越光影矩陣。圖片提供／勤美術館；攝影／ 楊承

圖文提供／勤美術館

一場跨越一生的創作召喚

手工、色彩與存在的交響

對導演吉勒摩・戴托羅（Guillermo del Toro）而言，《科學怪人 Frankenstein》不僅是一部電影，更是一段自童年起便深植於生命中的精神召喚。自七歲初見詹姆斯・惠爾版本的《科學怪人》起，怪物形象便成為他理解世界與自身的隱喻。戴托羅將瑪麗・雪萊原著視為探問「何謂人性」的根本之書，電影不以恐怖為核心，而是以情感、孤獨與被誤解的生命狀態為主軸，描繪創造者與被創造者之間如父與子的悲劇關係。這部作品延續他一貫對「怪物即人性鏡像」的信念，將《科學怪人》視為一則關於渴望被愛、被理解的深層寓言。

作品延續他一貫對「怪物即人性鏡像」的信念，將《科學怪人》視為一則關於渴望被愛、被理解的深層寓言。奧斯卡．伊薩克 Oscar Isaac 飾維多。圖片提供｜Netflix

影音／Netflix《科學怪人 Frankenstein》中文版預告

圖文提供／Netflix