馬凌、常青等國際畫廊齊聚台北百年老宅 ——《藝軒 Pavilion》在大院子建構一座藝術庭院

在高度加速的藝術市場裡，《藝軒 Pavilion》選擇反向而行。它落腳於台北百年日式建築「大院子」，以策展取代攤位，以停留取代掃視，邀請藝術、建築與人重新對話。這不是另一場博覽會，而是一場關於時間、記憶與歸屬的緩慢提問

在今日的當代藝術市場裡，「觀看」往往成為一種被急促的行為。展場動線要求效率，作品被迫在短時間內完成自我說明，收藏的判斷與市場的節奏緊密相扣，藝術在不知不覺中被推向一種近乎即時回應的狀態。然而，真正深刻的觀看，從來都需要時間，需要身體的停留，也需要情感的沈澱。《藝軒 Pavilion》正是在這樣的背景下誕生。它並不試圖成為另一個大型博覽會品牌，而是選擇以「匯聚點」的姿態，為藝術提供一處暫時脫離速度與聲量的庇護所。這裡不強調規模與數字，而是回到藝術最原初的狀態 —— 作為一種可以被靠近、被感知、被慢慢理解的存在。

以對話為核心的策展想像

一座老宅成為時間的容器

首先，台北「大院子」並非中性的展覽空間。這座百年日式建築本身，早已承載了城市的歷史層疊與生活記憶。木構、尺度、光影與庭院，使人一踏入其中，便自然放慢腳步。對《藝軒 Pavilion》而言，這並非只是場地選擇，而是一種立場——藝術應該與時間共存，而非凌駕其上。在這樣的空間裡，展覽不再只是作品的陳列，而是一種感知經驗的展開。策展不再是配置，而是一場對建築、光線與行走節奏的細緻編排。觀者在移動、停留、轉身之間，逐步與作品建立關係，也重新感知自身與空間的距離。

策展人谷有倫以「城市記憶、懷舊與歸鄉」作為情感軸線，並非要回望過去，而是試圖理解當下

《藝軒 Pavilion》的誕生，來自一個極為單純卻罕見的提問：如果藝博會不是為了讓人快速看完，而是為了讓人願意留下來，會是什麼模樣？由慕佩霖與張伊婷共同發起，並由長期活躍於藝術收藏與策展領域的謝盈盈領導台北首屆展會，《藝軒 Pavilion》將策展視為一種關係的建立，而非主題的標籤。策展人谷有倫以「城市記憶、懷舊與歸鄉」作為情感軸線，並非要回望過去，而是試圖理解：在高度流動的當代社會中，我們如何在不斷位移的狀態裡，重新定位自我。藝術在此不提供答案，而是提出問題。作品成為一種提問的形式，引導觀者思考時間如何沉積於空間，情感如何附著於物件，而「家」是否仍是一個可以被想像的狀態。

Jeewi Lee, Interval_Bethany 07, 2023, Coffee on canvas, 76.5 x 61cm. Courtesy／Meyer Reigger Wolff and the artist.

藝術、建築與身體的交會

一個關於未來的緩慢提案

在《藝軒 Pavilion》的展場中，建築不再只是背景，而是參與敘事的角色。原型建築陳冠帆以「竹」作為核心語彙，將台灣與香港共享的文化記憶，轉譯為結構與空間的語言。自然材質所帶來的溫度，讓展場不再是臨時性的裝置，而更像一個可被居住的場域。光線沿著木構與牆面流動，觀者的身體成為展覽的一部分。每一次停留、每一次轉身，都重新定義了作品被觀看的方式。藝術在此不再是被展示的物件，而是與空間共同生成的經驗。

台灣藝術家 Candybird 將於《藝軒 Pavilion》現場進行表演。攝影／陳怡如 Chen Yi-Ru

然而，不同於傳統博覽會以畫廊攤位為單位的展示方式，《藝軒 Pavilion》邀集來自多個城市的畫廊，以更接近展覽的形式呈現作品。這樣的安排，並非為了去市場化，而是希望為收藏創造一種更具深度的前提 —— 當理解先於交易，關係便得以延續。此外，藝術展示卡車、行為表演與對談活動，讓展會不僅存在於室內空間，也向城市敞開。藝術不再是被框限於白盒子中的事件，而是滲入日常動線，成為城市生活的一部分。

賴志盛 Lai Chih-Sheng, Paint Can_Mars Yellow, 2026. Acrylic paint, paper, plastic, 8 x 8 x 8 cm. Courtesy／Kiang Malingue and the artist

最後，台北作為《藝軒 Pavilion》的首站，並非偶然。這座城市擁有成熟而細膩的收藏文化，也具備讓藝術慢慢發生的土壤。《藝軒》並不急於擴張，而是希望以穩定的節奏，在東亞地區建立一個持續生成的交流平台。在這裡，藝術不是被消費的對象，而是一段可以反覆回返的關係。當速度不再是唯一的價值，或許我們才能重新聽見藝術真正想說的話。

左起：張伊婷（藝軒共同創辦人）、謝盈盈Michelle Hsieh（藝軒台北夥伴）、慕佩霖（藝軒共同創辦人）Courtesy／PAVILION

圖文提供／PAVILION