當布料成為藝術的語言／ 美國藝術大師 Robert Rauschenberg × 吳季剛 Jason Wu 一場跨越半世紀的創作對話

當藝術作品走入服裝，時尚便不再只是流行趨勢，而成為思想與文化的載體。TAO ART 攜手羅伯特・勞森伯格基金會與國際時裝設計師 Jason Wu 吳季剛，以《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》展覽，讓二十世紀最具影響力的藝術家之一，與當代時裝設計展開跨越時空的對話。從布料、拼貼到創作精神，一場關於材料、記憶與文化的交流，在台北悄然展開

藝術與時尚之間始終存在著一條若即若離的界線。有人將時裝視為生活中的藝術，也有人認為藝術終將回到人的身體。當兩者真正相遇時，最動人的地方往往並非造型上的相似，而是創作思維彼此映照後所產生的新能量。TAO ART 即將登場的《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》，正是一場建立於創作精神之上的深度交流。展覽邀集國際知名時裝設計師 Jason Wu 吳季剛，以及二十世紀美國藝術史最重要的人物之一 Robert Rauschenberg 羅伯特・勞森伯格，透過作品共同探討布料、媒材、記憶與文化如何在不同世代之間持續流動。展覽一方面展出 Jason Wu 2026 春季系列《COLLAGE》，另一方面則帶來羅伯特．勞森伯格基金會珍藏的重要原作，使觀眾得以親眼看見藝術如何轉化為時尚，也理解設計如何再次回應藝術。這樣的策展方式，更像是一場橫跨五十年的創作對談，讓不同年代的創作者，在同一個空間裡共同完成一件作品。

國際時裝設計師 Jason Wu 吳季剛和 Courtney J. Martin，羅伯特・勞森伯格基金會執行長 Executive Director of the Robert Rauschenberg Foundation

縫合藝術與時尚的共同語彙

改變二十世紀藝術史的大師

若談起二十世紀藝術史，Robert Rauschenberg 羅伯特・勞森伯格無疑是一位無法忽略的重要人物。出生於 1925 年的他，一生始終對既有藝術形式保持高度好奇。他相信世界上的每一件物件，都可能成為藝術創作的一部分，因此畫布不必侷限於顏料，塑膠、紙張、布料、報紙、木頭、金屬、照片甚至街頭拾得的物件，都能共同構成新的視覺語言。這樣的觀念，在今日看來或許已十分熟悉，但回到1950年代，那是一場徹底改變藝術觀看方式的革命。他所發展出的「Combines（融合繪畫）」系列，同時具有繪畫、雕塑與裝置的特質，讓藝術作品開始突破平面的限制，也重新定義了藝術與生活之間的距離。

Robert Rauschenberg 羅伯特・勞森伯格作品：Cat Paws (Airport Suite)〈機場套裝〉系列，融入瓶蓋與鈕扣等元素，其材料與肌理之間的交互作用營造出富有動態感的視覺節奏；1974，Relief and intaglio on fabric, with bottle caps，L86.4 x W90.2 cm ©Robert Rauschenberg Foundation；攝影／James Nelson

1964年，他更成為首位獲得威尼斯雙年展國際繪畫大獎的美國藝術家，為戰後美國藝術寫下嶄新的篇章。勞森伯格始終相信，藝術不應停留於美術館之內，它來自生活，也應再次回到生活。因此，他大量引用新聞照片、廣告圖像、工業材料以及日常用品，將原本屬於街道、媒體與城市的片段重新拼貼，形成一幅幅充滿時代記憶的作品。那些看似毫無關聯的元素，在他的手中重新建立秩序，也讓觀者重新思考我們每天所接收的資訊與影像。

Robert Rauschenberg 羅伯特・勞森伯格作品：Sulphur Bank (Hoarfrost)〈白霜〉系列，1975，Solvent transfer, fabric, cardboard, and paper bags on fabric，L167.4 x W90.1 x D7 cm ©Robert Rauschenberg Foundation；攝影／Ron Amstutz

布料，不只是服裝的材料

讓藝術精神化作服裝結構

在 Robert Rauschenberg 羅伯特・勞森伯格的創作中，布料始終具有特殊的位置。1970年代創作的〈Hoarfrost 白霜〉系列，可說是他最富詩意的代表作之一。他將來自《Time》、《Newsweek》與各類報紙的照片，以溶劑轉印技法印製於絲綢、雪紡等半透明織物之上，再讓布料自然垂墜於牆面。沒有厚重的畫框，也沒有固定的形式，作品會隨著空氣流動而輕輕擺動，影像因此若隱若現，彷彿記憶在光線之中慢慢浮現。媒體上的政治人物、運動新聞、廣告與日常景象，在布料的層層交疊下逐漸失去原有的新聞性，轉而成為帶有時間溫度的視覺片段。

Jason Wu 吳季剛與模特兒合影於 2026 SS春夏時裝秀

布料於是從承載服裝的媒介，變成了承載時間與記憶的載體。另一件重要系列〈Airport Suite 機場套裝〉系列，則展現了勞森伯格對材料更加自由的運用。他將不同材質布料進行折疊、印刷，再縫合瓶蓋、鈕扣、尺規等日常物件，使畫面同時具有印刷、拼貼與雕塑的層次。這些尋常物件保留了生活留下的痕跡，也因此擁有超越形式的真實感。他的創作始終提醒著人們，美感並非來自材料本身的珍貴，而是來自創作者如何重新理解材料所承載的故事。另一方面，身為國際時裝設計師，Jason Wu 吳季剛長年以優雅、細膩且兼具當代感的設計語彙受到全球矚目。

Robert Rauschenberg 羅伯特・勞森伯格作品：Sheephead (Airport Suite)〈機場套裝〉系列；1974，Relief and intaglio print on fabric with object，L89.5 x W129.5 x D0.3 cm ©Robert Rauschenberg Foundation；攝影／James Nelson

然而，他的作品之所以具有高度辨識度，並不只是來自精準的剪裁，更來自他始終與藝術保持密切的對話。多年來，他曾從建築、雕塑、攝影以及書法等不同藝術形式汲取靈感，也曾將台灣書法家董陽孜奔放流暢的筆勢融入服裝設計，讓服裝成為文化交流的平台。此次發表的2026春季《COLLAGE》系列，則將焦點放在 Robert Rauschenberg 身上。Jason Wu 並非直接複製藝術家的圖像，也沒有將畫作印製於布料之上，而是深入研究勞森伯格的創作方式，重新理解他如何運用布料、拼貼、毛邊、層次與材料之間的關係，再將這些思考轉化為服裝本身的結構。因此，人們在伸展台上所看見的，不只是視覺上的引用，更是一種創作方法的延續。

羅伯特．勞森伯格與吳季剛，Sulphur Bank (Hoarfrost)〈白霜〉系列的時裝呈現

最後，布料自然留下的毛邊、不同織物交錯形成的肌理，以及看似未完成卻極為精準的結構安排，都使服裝保有藝術創作中的開放性。每一道縫線、每一塊拼接，都像是在回應勞森伯格對材料自由性的探索，也讓服裝獲得更深層的文化意義。藝術因此不再停留於展示空間，而是隨著人的步伐，在城市中持續流動。對台灣觀眾而言，這次展覽更具有特殊意義。這是 Jason Wu 設計作品首次於台灣完整展出，也是首次與啟發其創作的重要藝術原作並置呈現。觀眾可以在同一個展覽空間中，看見藝術作品如何一步步轉化為服裝設計，也能理解一件高級時裝的誕生，遠比人們想像中更加深刻。《羅伯特．勞森伯格與吳季剛Robert Rauschenberg and Jason Wu：Common Threads》展覽延續了如此的理念，讓藝術、設計與時尚彼此交會，也讓不同世代、不同媒材之間展開更自由的美學對話。

Tao Art 舉行的「羅伯特．勞森伯格與吳季剛：Common Threads」展覽主視覺

整輯／Addie

圖文提供／TAO ART、Robert Rauschenberg Foundation